FDS Musique – La Renaissance (Partie 1)

Juin
2013

La période de la renaissance, en musique, s’étend environ de 1400 à 1600. Comme elle regroupe des réalités musicales très différentes, je vous propose une série de deux « épisodes » consacrés à cette période foisonnante et passionnante de la musique française.


Enluminure du XVème siècle montrant Guillaume Dufay près d’un orgue positif et Gilles Binchois tenant une harpe.

Pour faire simple, durant la première période de la Renaissance, de 1400 à 1500, la plus grande part de la production musicale vient d’Angleterre et de France et un peu d’Italie. Au XVIe, c’est le triomphe de la musique dite « Franco-flamande », et à la toute fin de cette époque, le centre principal de production musicale devient l’Italie.

De 1400 à 1500, les plus grands noms de la musique sont Dunstable, Dufay, Binchois et Ockeghem (que les spécialistes me pardonnent si j’ai oublié leur compositeur fétiche).

De 1500 à 1600, Josquin, Janequin, Gabrielli, Lassus, et Palestrina.

Quelles sont les caractéristiques de la musique de la Renaissance?

Les instruments font leur entrée véritable dans la musique écrite. Bien que les compositeurs ne spécifient pas toujours pour quel instrument doit être jouée telle ou telle voix, certaines lignes sont faites pour être jouées, et non plus chantées.

La famille des violes, l’orgue, mais aussi le luth et son grand frère, le théorbe sont les instruments les plus fréquemment rencontrés dans la musique dite « savante » (écrite).

Côté musique, c’est le triomphe de deux manière d’écrire opposées, que l’on qualifiera plus tard d’« ancienne » et « nouvelle » manières.

- L’ancienne, c’est une écriture contrapuntique ou l’horizontalité compte plus que la verticalité, ou si vous préférez, le développement des lignes mélodiques prime sur le jeu « en accords » verticaux.

- La nouvelle manière, issue de la chanson populaire, et de la fascination de l’époque pour la Grèce antique et le théâtre, c’est ce que l’on appellera à la fin de la Renaissance la « monodie (ou mélodie) accompagnée ».

Un chant, accompagné par un instrument qui joue des accords. Le but est principalement de rendre l’accès musical plus aisé, et de faire comprendre le texte, déclamé avec émotion. Cette « nouvelle manière » est toujours celle de la chanson d’aujourd’hui.

La renaissance, c’est aussi l’apparition de la tierce en plus de la quinte dans les accords. Un accord qui aurait été au moyen âge do/sol/do va devenir do/sol/mi de plus en plus souvent, et notamment sur les ponctuations (relisez les chroniques précédentes pour les définitions).

Autrement dit, la question des accords majeurs et mineurs apparaît, et plus seulement les consonances d’octave et de quinte. Vous me suivez? Dans notre spectre harmonique, nous avons ajouté la tierce. Et bientôt, nous irons encore plus loin!

Le nombre de voix, dans l’« ancienne manière », augmente jusqu’à atteindre parfois cinq ou six dans les madrigaux, par exemple. Le contrepoint se fait plus savant et raffiné, avec les Franco-flamands, et ensuite, les Italiens. La musique s’étoffe et se complexifie jusqu’à l’extrême, comme chez Gesualdo, ce qui entraînera l’éclosion de la « nouvelle manière », pour rendre un peu de simplicité à la musique.

La notation musicale se fait de plus en plus précise. Les modes rythmiques sont abandonnés, et le rythme est précisément spécifié pour chaque note. Les modes mélodiques persistent, même si à la fin de la Renaissance, le mode de mi a presque disparu. Les « altérations » (dièse, bémol ou bécarre), ne sont pas souvent spécifiées et c’est le contexte musical, et le déroulement des voix qui décide (musica ficta). Je vais expliquer cela aujourd’hui.

Je vous propose une pièce simple, de Gilles Binchois. Je cite Wikipédia, ne pouvant pas dire mieux…

« Gilles Binchois est le nom le plus courant sous lequel est connu le compositeur franco-flamand Gilles de Binche ou Gilles de Bins, né vers 1400, probablement à Mons, et mort le 20 septembre 1460 à Soignies.

C’est l’un des plus célèbres compositeurs du début du XVe siècle et l’un des premiers représentants de l’école musicale de Bourgogne. Bien que souvent considéré comme de moindre importance que ses contemporains Guillaume Dufay et John Dunstable, du moins par les musicologues vivant à la même époque, son influence est présumée avoir été supérieure à celle de ces deux musiciens, car ses œuvres furent citées, empruntées et utilisées comme matériel de base plus souvent que celles d’autres compositeurs du Moyen Âge. Gilles Binchois fut prévôt du chapitre de Soignies de 1452 à sa mort en 1460. »

Notre pièce est un rondeau, et je voudrais vous parler de cette forme, très ancienne, car elle remonte au XIIIe siècle notamment avec Adam de la Halle, un trouvère (chanteur populaire du nord de la France, chantant en langue d’Oïl, quand les troubadours, plutôt localisés dans le sud, chantent en langue d’Oc), cette forme, donc, qui reste toujours en usage à la Renaissance.

A partir du XVIIe siècle, son orthographe s’ « italianisera », et la forme « rondo » désignera, dans la musique instrumentale, une structure à refrain: ABACADA etc. Mozart, par exemple, utilise en général cette forme dans les derniers mouvements, rapides. A travers cette pièce, vous pourrez vous faire une idée de l’évolution du langage musical par rapport à l’Ars Nova.

Voici notre chanson:

La forme du rondeau est: A B a A a b A B.

Les lettres a et b désignent la musique. Elles sont en majuscules si le texte est le même, et en minuscules si le texte change.

Le mieux est de voir « sur le terrain » comment la chose se présente:

A: lui-même en deux parties -A1 jusqu’à 0’30 -A2 jusqu’à 0’53
B: Même chose: B1 jusqu’à 1’17 et B2 jusqu’à 1’36.
a: même musique que A, et lui aussi en 2 parties: a1: jusqu’à 2’05 a2: jusqu’à 2’28.
A: même chose que la première fois, avec ses deux parties, et jusqu’à 3’22.
a: avec ses deux parties, jusqu’à 4’11.
b: avec ses deux parties, jusqu’à 4’54.
puis A et B , jusqu’à la fin.
Voilà pour la structure du rondeau.

Place à la musique!

Les deux voix graves sont jouées par des violes.

Première impression: c’est déjà plus familier, non? On reconnaît que « c’est en majeur », pour les musiciens, et même pour les autres, à présent.

En fait, il s’agit, selon les tournures mélodiques d’un mode de fa, sol ou do, nos trois modes majeurs de l’époque. Trois modes à la fois? Oui, et je vais vous expliquer en détail. C’est ce que l’on appelle « musica ficta ». Selon les tournures mélodiques, l’interprète peux « diéser », « bémoliser », ou « bécarriser » certaines notes.

Petit rappel: le mode de fa, c’est l’échelle que vous obtenez en jouant sur un piano les touches blanches entre un fa et un autre fa. Même chose pour chaque mode. Un mode de sol, les touches d’un sol à un autre sol. Mais nous avons vu que ces échelles peuvent de déplacer, en gardant les mêmes intervalles.

Par exemple ici, nous avons comme tonique si bémol (croyez-moi sur parole, s’il vous plaît)! Nous sommes dans un si bémol majeur, car les trois premières notes du mode forment une tierce majeure, soit deux tons entiers. Mais regardez la basse.

Dès la fin de la première mesure, une note altérée: un la bémol! Jouez sur un piano les notes suivantes, en montant: Si bémol, (il est « à la clé », au début, juste à côté de la clef de sol. Cela veut dire que sauf indication contraire, tous les si du morceaux seront bémol) do, ré, mi bémol ( à la clé ), fa, sol, la bémol, et si bémol.

Voici les notes du début de notre pièce. Un mode de sol sur tonique si bémol, n’est-ce pas? Accrochez-vous, ceux qui n’ont pas de piano, et qui ne comprennent pas, je sais que je suis un peu trop dans les détails, mais je me dépêche d’en sortir!

A la mesure 3, l’on retrouve des la « normaux », ou bécarres, ce qui ferait de notre mode un mode de do sur tonique si bémol.

A 0’27, une cadence à double sensible, vous l’avez reconnue? Il y a donc un mi bécarre, qui a envie de monter sur le fa. Alors notre mode? Si bémol, do, ré, mi bécarre, fa, sol, la et si bémol. Jouez ces notes..C’est un mode de fa sur tonique si bémol!

J’arrête ici, de peur de vous perdre en route, mais pour simplifier, l’on joue entre les trois modes majeurs, sans arrêt, en changeant une petite note par ci-par là. Et ce n’est pas écrit dans la partition originale, la plupart du temps, c’est laissé au choix de l’interprète. C’est ce que l’on appelle la « musica ficta », car tout n’est pas écrit. A 0’39, encore une belle cadence à double sensible.

Je pense que votre oreille y est habituée, maintenant. Sans connaître beaucoup de théorie, vous allez voir que vous serez bientôt capables de comprendre beaucoup de choses que vous entendrez, et donc d’apprécier beaucoup mieux la musique. C’est tout pour aujourd’hui!

Bonne semaine!